About Lidia Wojtowicz
Born in Cracow, Lidia Wojtowicz comes to Paris in 1978 where she has been living since. Almost 40 years passed, rich in various experiences. The art of painting, decoration, flower arranging lead to her self discovery. Member of Atelier de Paris since 2012, she discovers different techniques such as charcoal, pastel or acrylic that allow her to express her creativity and emotions
Née en 1969, j’ai depuis toujours aimé construire, modifier et regrouper des éléments hétéroclites.
Après un apprentissage de couturière et avoir travaillé dans le monde de la mode, c’est un peu par hasard que j’ai découvert l’art textile ; j’ai d’abord commencé à faire des patchworks traditionnels, mais très vite, j’ai évolué dans un travail plus abstrait. J’ai pu ainsi exposer dans différents concours de patchwork en Suisse.
Actuellement, je suis éducatrice remplaçante dans une institution pour les personnes en déficience mentale ; leur univers m’apporte une richesse humaine qui me fait poser un regard différent sur le monde qui m’entoure. J’en profite pour le transposer dans mon travail artistique.
Dans mes œuvres, j’aime exprimer mes sentiments par rapport à une personne, un événement, un sentiment ou tout ce qui touche à la flore et la faune. J’entremêle des matériaux trouvés autour de moi ( récupération, déchets ,…) et les combine avec divers tissus et textiles.
Ce tableau est une rencontre avec mon ami. Lionel Métrailler physicien à l’ESA à Madrid. Son travail sur la Nébuleuse de la ceinture d’Orion, le regard sur notre avenir de la planète et la découverte de nouveaux mondes. m’a inspiré un colibri qui voyage à travers les mystères de l’univers depuis notre terre blessée.
J’ai utilisé un tissu teint artisanalement, de d’imprimerie industrielle pour la nébuleuse, une racine de broussaille et une grille rouillée trouvée dans le Rhône. J’y ai associé de la peinture acrylique, de la broderie et du dessin.
Dans mes tableaux, les hommes et les femmes sont debout, et leur quête du mouvement et du plaisir est permanente.
L’art permet aux hommes et aux femmes de se retrouver sur le terrain de l’émotion partageable par tous, ou tout au moins par le plus grand nombre.
L’émotion rapproche les hommes, corrige quelque peu les excès d’une civilisation nécessairement économique et efficace.
Artiste collagiste, contemplatif avant tout, Thierry Prouvost applique en son art sa première devise
« Tout à sa juste place ».
Thierry Prouvost fit ses premiers collages il y a plus de trente ans : un monumental assemblage de vignettes provenant de son cher petit Larousse d’enfance en couleurs ;
ou encore, l’encadrement baroque d’un dessin très révélateur qu’il avait réalisé à l’âge de 12 ans.
Puis il en réalisa épisodiquement.
Son parcours artistique passa par sa passion indéfectible pour l’art, sa formation de Commissaire-priseur,
son diplôme de l’école du Louvre.
Je réalise des moulages en bandes plâtrées de fragments de corps humains (torses, seins, dos, fesses, etc.) que je retravaille de façons variées.
Chaque support, parce qu’il est le témoin unique d’un moment de partage d’émotion, m’oriente vers des techniques particulières : il peut s’agir de coller et de superposer des images imprimées sur papier de soie, de jouer avec des appositions de peintures, d’encres, d’utiliser des matières ou des objets insolites.
Les deux faces du moulage (intérieur et extérieur) sont traitées soit dans la même veine soit au contraire en opposition. L’idée est de créer un effet de transparence des signes et de susciter une pluralité de lectures.
La finalité de mon travail consiste à combiner formes et couleurs mais aussi à réconcilier la gravité et la légèreté, le hasard et la détermination, l’éternel et l’éphémère.
Les lumières des villes se transforment en passant du jour à la nuit comme l’on passe du réel à l’imaginaire, du figuratif à l’abstrait, le second prenant sa source du premier.
Les œuvres placent les hommes dans leur environnement où ils se fondent pour presque disparaître. Où sont-ils passés ?
L’objectif photographique, prolongement de l’œil le jour, se mue en pinceau la nuit.
Ce pinceau fait vibrer les couleurs, bouger les lignes, fait soupçonner la vie dans l’ombre.
La photographie crée le rêve en passant du concret pour orienter vers l’imaginaire.
Artiste franco-polonais autodidacte né en 1972, je me sers sans vergogne de divers matériaux (sculpture, collages, dessins et peinture, installation, art numérique) au moyen desquels j’explore divers thèmes: la place de l’homme dans la nature et dans la société, l’accoutumance, l’identité et ses symboles… J’ai ainsi produit des sculptures de paysages, la plupart en terre cuite brute, patinée, peinte ou encore vernissée où j’interroge le destin de l’environnement naturel des hommes. Mes collages dadaistes scrutent le moi social. Quant à ma sculpture-installation Addictionville et son Etat d’Olethros (« ravage », en grec), projets d’art conceptuel, ils racontent l’humanité mue par ses instincts prédateurs et destructeurs, prisonnière de ses addictions.
Née à Boulogne-Billancourt (92); une grande ville aux portes de Paris ; mon travail tient de cette fascination pour son ambiguïté : son côté bruyant,
encombré et étourdissant qui cache de grandes solitudes et perd les humains dans l’anonymat.
Je peins des scènes urbaines, quelques personnages solitaires, souvent très peu détaillés, de l’architecture.
Du théâtre, que j’ai pratiqué pendant plus de 10 ans, j’ai conservé une passion des mises en scène et des couleurs.Je ne recherche la réalité dans mes peintures mais l’émotion qui s’en dégage.
Mes peintures semblent colorées mais elles cachent souvent une pointe de mélancolie.
L’acrylique est le médium qui convient le plus à mon tempérament impatient.Mon style pictural est à la fois rapide, dynamique et audacieux.
Salon d’Automne Paris- Section Figuration- : 2019-2020-2021-2022
Salon des Beaux-arts de Boulogne-Billancourt (92) : 2020-2021-2022
Salon des artistes de Ville d’Avray (92): 2020-2021-2022
Salon des artistes du Val de Marne (94) : 2020-2021
Salon d’Etampes (91); Salon de Verrières le Buisson (92); …
COTATION sur Artprice.com (Enchère Maison Rouillac ; 2020)
Je m’adonne à la sculpture après une carrière bien remplie dans la mode.
C’est le même esprit créatif et empreint d’humanité qui me fait travailler la terre comme une robe pour révéler la féminité sous d’autres formes que le nu.
Mais je laisse place aussi à une inspiration ethnique et culturelle.
Mes visages expriment la sérénité et vous emportent dans une autre dimension.
Mes origines orientales y sont sûrement pour quelque chose !
Je suis également guidée par ce qui sort de la norme ainsi que par l’imaginaire.
Mes doigts l’emportent souvent au-delà de mon projet initial et lorsque la terre cuite se transforme en bronze, l’œuvre n’est plus mienne, elle se détache.
Le résultat est toujours surprenant, la terre me parle !
YI-CHUN CHEN est née à Taipei (Taiwan) et vit aujourd’hui en France où elle est arrivée en 2014 pour entrer aux Beaux-Arts de Versailles après avoir terminé ses études à l’Université nationale des Arts de Taiwan. Ses travaux muraux sont plutôt abstraits. Elle s’intéresse également beaucoup aux couleurs colorées et utilise principalement de l’acrylique ainsi que les techniques mixtes tel que le collage, le dessin, le pastel ou le stylo…etc. Elle peint les éléments de sa vie quotidienne comme ses sentiments, des paysages et certains personnages. Un tableau peut débuter à partir d’une idée ou d’une situation vécue dans la journée. Elle retranscrit donc la vie quotidienne du matin jusqu’au soir au travers de la peinture. Dans ses compositions, elle recherche les contrastes, l’opposition de lignes droites avec une approche plus spontanée.
